Как на мультимедиа компьютере добиться хорошего звучания

Многие музыканты и звукорежиссеры недооценивают возможности современных компьютеров, музыкальных приложений и недорогих звуковых плат. При упоминании о подобной технике, они презрительно поджимают губы и произносят слово, в котором сосредотачивается все их презрение к миру простых смертных: «мультимедиа»… Однако, знакомство с западными периодическими музыкальными изданиями говорит о том, что весь цивилизованный мир давно повернулся лицом к малобюджетным технологиям: на эту тему пишутся статьи, обсуждаются достоинства и недостатки разных программ, а такие серьезные люди как Эрик Персинг (владелец фирмы Spectrasonics и создатель всей библиотеки звуков для синтезаторов фирмы Roland) ставят первые эксперименты по использованию программных синтезаторов в серьезных бюджетных проектах. Да и цены на программы и подключаемые модули заставляют задуматься. Например, набор подключаемых модулей фирмы Waves Native Gold Bundle стоит целых 1300 американских долларов, а это сравнимо с ценой на автономные приборы достаточно высокого класса.

Так что же, получается – мы опять позади планеты всей, и до сих пор не поняли, что индустрия звуковой техники вымирает, а будущее за «виртуальными студиями», скрывающихся в недрах обычных персоналок? И да, и нет. С одной стороны, уже не вызывает сомнения то, что «виртуальные студии» - это серьезные профессиональные инструменты для звукозаписи. Но с другой стороны, автономные «железные» приборы имеют свой собственный «окрас» звучания, повторить который в «виртуальной студии» достаточно сложно. Например, звучание эквалайзеров пультов Soundscraft кардинально отличается от звучания эквалайзеров микшеров Mackie или TL Audio, и многие профессионалы считают, что некоторые специфические вещи можно сделать только с их помощью. А звук тех же синтезаторов фирмы Clavia (Nord Lead или Nord Modular) невозможно повторить с помощью виртуальных синтезаторов форматов VST или DXi. Кроме того, есть задачи, которые просто удобней решать с помощью автономных приборов. Например, обеспечение концертов или постоянные инсталляции в клубах, концертных залах и т.д.

Но верно и обратное – многие вещи, которые очень легко делаются на обычных компьютерах с помощью программ-виртуальных студий довольно проблематично повторить в обычных студиях звукозаписи. При этом о минимально необходимом качестве звука разговор уже не ведется. Если загрузить в обычный SB Live профессиональные звуковые библиотеки, и использовать чуть более качественный внешний преобразователь, чем встроенные конвертеры платы, то ни один самый крутой звукорежиссер не отличит его звучание от семплеров E-mu или Akai. Этот тезис проверялся мной многократно, и на эту «удочку» ловились люди, которых нельзя упрекнуть в отсутствии слуха и опыта работы с серьезной техникой. А работать с SB Live куда удобней, чем с дорогущими автономными семплерами… Хотя, очень многое зависит от конкретного пользователя – есть куча «подводных камней» в процессе перевода библиотек из одного формата в другой, да и хороших результатов можно добиться лишь зная недостатки SB Live или программ обработки звука…

В этой статье мы поговорим о том, как с помощью недорогой «мультимедиа» техники и современных программ записать действительно качественную фонограмму. Но не обольщайтесь. Нет универсальных способов «стать крутым». Все зависит от вас – от вашего желания, настойчивости, умения долго экспериментировать, слуха, в конце-концов. И не забывайте, что звукозапись – это достаточно сложный технологический процесс. То есть, здесь важны реальные знания и понимание сути происходящего. Другими словами, чтобы хорошо записать фонограмму надо быть не только музыкантом, но и неплохим инженером. Физику, короче, надо знать и любить…

Предварительные замечания

С чего начинается качественная фонограмма? Многие люди думают, что со звуковой платы, установленной в компьютер. Но это не так. Качественная фонограмма начинается с КАЧЕСТВЕННОГО ИСТОЧНИКА ЗВУКА, который впоследствии будет записан с помощью той или иной звуковой платы и программы.

Чаще всего в домашних студиях музыканты записывают голос вокалиста или гитары. Для того, чтобы хорошо записать голос нам нужны три вещи:

1. Хороший певец.

2. Хороший микрофон

3. Помещение, пригодное для записи.

С хорошим певцом вроде все понятно. Помимо наличия голоса и слуха, он должен уметь работать с микрофоном. То есть не «пыхать» на мембрану, отходить от микрофона при переходе на «форсаж» и приближаться к микрофону в лирических местах, чтобы использовать эффект увеличения количества низов при сокращении дистанции. Также певец должен уметь петь в студийных условиях, когда нет «подкачки» зала. Самая главная проблема певцов в студии – вялые и невыразительные треки (ну, не прет и все тут!). В общем, надо много и упорно тренироваться, чтобы достигнуть приемлемых результатов.

Хороший микрофон – это тоже большая проблема. Но к счастью, умирающая отечественная промышленность пришла нам всем на выручку. Тульская «Октава» выпустила микрофон МК 319 А, который в Интернет магазине на peratron.narod.ru можно купить за 115 американских рублей. Это серьезный студийный конденсаторный микрофон с большой диафрагмой, который работает на уровне буржуйских микрофонов ценовой категории 300-500 долларов (AKG C3000B остается далеко позади). Когда я первый раз с ним поработал, то был просто поражен – за такие деньги это просто подарок… К микрофону желательно иметь качественный поп-фильтр – сетку, натянутую на проволочную рамку, которая располагается сантиметрах в 20 от микрофона. Слюни, сопли и «пыхи» вокалистов застревают в этом фильтре. Запись получается куда чище.

Далее, к микрофону желателен предусилитель. Если есть микшер, то обычно достаточно его предусилков, если микшера нет, то желательно прикупить какую-нибудь «железку» типа TL Audio Fatman FAT1, Joemeek Micromeek MQ1, Focusrite Trackmaster или Roland MMP2. Но если хотите качественно записывать звук с микрофона, раз и навсегда забудьте о встроенных предусилителях звуковых плат, даже таких навороченных как SB Audigi Platinim EX – они намертво убивают даже очень хорошие микрофоны. Компрессор для работы с микрофоном желателен, но не обязателен – грамотный вокалист способен петь так, что «зашкалов» не будет. А при сведении голос выравнивается с помощью программных подключаемых модулей.

Теперь пару слов о помещении. Хороший микрофон помимо голоса вокалиста всегда ловит и естественную реверберацию помещения. В современных бетонных квартирах реверберация эта имеет характер «звона», который мешает нормально работать с эквалайзерами, компрессорами и электронной реверберацией. Для того, чтобы избавиться от «звона», достаточно сделать «глухую камеру», где будут обитать вокалист с микрофоном во время записи. Я со своими друзьями такую камеру сделал очень просто – набил на потолок комнаты деревянные планки, на которые во время записи развешиваются самые обычные шерстяные одеяла. Разумеется, одно из одеял закрывает потолок, а еще одно – валяется в ногах у вокалиста. Результаты получаются просто изумительными…

С голосом вроде все понятно. Теперь переходим к гитарам. Первое условие для качественной записи гитары – умение на ней играть. Не умеете – лучше даже не беритесь, воспользуйтесь синтезаторными имитаторами этого инструмента. Результаты будут лучше. Если играть умеете, то помимо навыков игры надо иметь инструмент приличного класса, и всю необходимую обработку. Я здесь на этом вопросе останавливаться не буду – в Интернете достаточно много ресурсов, посвященных гитарным технологиям (например, www.guitar.ru). Но могу сказать одно – дешевая гитара плюс дешевая примочка способны угробить любую приличную запись. Подумайте о том, чтобы воспользоваться синтезаторными имитаторами – результат скорее всего будет лучше. То же самое касается и акустической гитары – инструмент «за 16 рублей» (музыканты старшего поколения знают, что это такое) надо выкинуть на помойку, и сделать партии гитары при помощи нормальных звуковых библиотек.

Помимо качественного источника звука для получения хорошей записи важна КОНТРОЛЬНАЯ АКУСТИКА. Вы должны адекватно слышать то, что записали, и адекватно оценивать результаты действия различных модулей обработки. Чаще всего обеспеченные музыканты покупают себе студийные контрольные мониторы. Но на самом деле можно обойтись и без них. Достаточно поставить несколько разных акустических систем – от дешевых мультимедиа колоночек до больших напольных колонок. И слушать результаты своих действий в разных АС, переключаясь с одной на другую. Кстати, такой мастер сведения как Боб Клермаунтин, который делал записи подавляющего количества американских звезд 80-х, вообще любит сводиться в маленьких мультимедиа колонках, поставленных рядом (чтобы звук был почти моно). Он говорит, что если ваша вещь зазвучала в таких колонках, то и в крутых АС она тоже будет звучать… Но всегда надо иметь под рукой и другую акустику, чтобы не промазать по верхам и низам. У автора этих строк, кстати, стоят студийные АС JBL 4208, а плюс к ним – старые отечественные 90-вт колонки Орбита, и маленький микро-центр JVC.

Но, обладание даже самыми крутыми и пафосными акустическими системами не снимает с вас тяжелого бремени постоянного слушания самой разной музыки в этих самых АС. Причем, надо не просто случать, а четко анализировать фонограмму – как сведена ритм-секция, с каким уровнем записан голос вокалиста, как расположены инструменты в панораме и т.д. А свои записи очень полезно сравнивать с «фирмой». Свели вещь – включите ее сразу после прослушивания буржуйского альбома. И не расстраивайтесь, а попытайтесь понять, что вы сделали не правильно. Пересвели все – снова слушайте на фоне эталона. Только так вы «научитесь» и рулить звук и сводить фонограммы по человечески.

Звуковые платы

Рыночная экономика имеет множество достоинств и один большой недостаток: главным движителем торговли является реклама. Помимо имидж-рекламы (красивые цветные картинки с улыбающимися людьми и яркими коробками), фирмы-производители прибегают к более сложным формам продвижения своих товаров. Одной из таких форм является институт независимой экспертной оценки. Нет, я не хочу сказать, что эксперты врут, ошибаются, или сознательно пишут «заказные статьи». Просто подумайте о том, что современные потребительские журналы живут за счет имидж-рекламы, соответственно понятно желание главных редакторов дружить с максимальным количеством производителей. То есть эксперты, на самом деле не «независимы» – они поставлены в очень жесткие условия и на них постоянно производится давление. Обычной ситуацией общения с рекламодателями является такой разговор: «напишете нормальную статью – дадим имидж-рекламу». После такого разговора на эксперта смотрят умоляющими глазами другие сотрудники редакции: «Ну, пожалуйста, будь повежливее…»

Вот отсюда и возникает масса легенд и мифов относительно разных высокотехнологичных товаров в целом, и звуковых плат в частности. Например, есть две звуковые платы, у которых разница в цене составляет 300 долларов. Эксперт слушает их и убеждается, что более дорогая плата действительно звучит чуть лучше. Но весь вопрос вот в чем: а стоит ли прирост качества звука этих самых 300 долларов? Кроме того, эксперты никогда не говорят вторую совершенно прозрачную истину: современная мультимедиа техника давным-давно превзошла по качеству профессиональную технику 10-летней давности. Автор этих строк в свое время работал с цифровым профессиональным магнитофоном Alesis ADAT. Так вот могу ответственно заявить: его 16-разрядные преобразователи хуже тех, преобразователей, что стоят на SB Audigi. Но это совсем не мешало звукорежиссерам во всем мире записывать на этом магнитофоне отличные альбомы разных музыкантов.

Собственно, отсюда следует простая истина: не надо гоняться за «журавлем в небе». Да, есть звуковые платы, которые относятся к классу профессиональной техники и отличаются от SB Live более прозрачным верхом, более собранными басами и более четким позиционированием источника звука в стереопанораме. Если у вас есть на них деньги – пожалуйста, покупайте. Но если денег нет, то не надо комплексовать и опускать руки, или откладывать запись до лучших времен. Лучше узнать недостатки той звуковой платы, что стоит в вашем компьютере, и попытаться их обойти. Это абсолютно реально. Например, слушайте и фирменные записи, и свои фонограммы именно через преобразователи своей платы. Это очень поучительный процесс…

Звуковые библиотеки и семплеры

Появление в свое время программы Gigasampler произвело настоящий шок в профессиональном мире: «Как это так – теперь работа с библиотеками формата AKAI доступна всем?». Профессионалы долго рылись в GS, пытаясь найти у него недостатки, но так толком ничего и не нарыли. Да, у этой программы хуже фильтры и генераторы огибающей, чем у семплеров AKAI, но опять-таки вопрос: насколько хуже? Оказывается, что ненамного. Конечно, если поставить рядом AKAI MPC 2000 и компьютер с GS, и воспроизвести одну и ту же библиотеку ударных, окажется что звук MPC более бодрый, резвый, «хлесткий» и т.д. Но обработай дорожку ударных, созданных на GS компрессором, чуть подыми верх хорошим эквалайзером и результат будет тот же… С фильтрами такая же картина…

А сейчас появилось уже довольно много подобных программ, да и SB Live свои позиции совсем не собирается сдавать – как семплер, он очень и очень продвинут (надо только его возможности знать). Проблема с разными форматами библиотек тоже решается элементарно с помощью утилит типа CD Extract или Awave. Но почему тогда не происходит резкого количественного скачка хороших фонограмм (по крайней мере в нашей стране), да и коммерческие студии, оснащенные старыми добрыми «акаями» не утратили своей актуальности? Ответ прост – со всей этой «кухней» НАДО УМЕТЬ РАБОТАТЬ. Звукорежиссеры это умеют. А вот все прочие – нет.

Так что, уважаемые юзеры SB Live, Halion и Gigasampler, кончайте уже ныть о том, что «вот бы мне такую навороченную фиговину, я бы такое записал…» Ерунда это. Любой грамотный звукорежиссер очень хорошо запишет музыку и на SB Live. И если он сам не скажет, на чем делалась работа, 99 процентов слушателей никогда ни о чем не догадается. Догадаются об этом лишь звукорежиссеры с тренированным слухом, внимательно послушав фонограмму на своих дорогущих АС в студии. А на hi-fi музыкальном центре никто ничего не разберет, даже если будет хоть сто раз звукорежиссером. Другое дело, что хороший звукорежиссер вряд ли будет делать работу на SB Live – у него есть под рукой техника совсем другого класса, на которой просто работать куда комфортнее. Да и звук куда лучше. А тех, кто познал рай, в ад уже не заманишь…

Несколько советов по работе с семплерами и звуковыми библиотеками.

«Учите матчасть». Программу или семплер звуковой платы надо знать, как свои пять пальцев. Вы должны с ходу ответить на вопрос, где каким контроллером чего рулится, какие особенности у фильтров, какие недостатки у генераторов огибающей и сколько форм волны производит LFO. Если этого знать не будете, то ничего никогда не запишите толком.

Не гонитесь за количеством звуковых библиотек. Прослушайте, например, два диска Bass Legends фирмы Spectrasonics и отберите себе один Pick, один Fretless и один Finger басы. И работайте дальше с ними. Но для начала загоните в редактор и настройте как следует: петли должны воспроизводится без щелчков, огибающие должны быть настроены под конкретную композицию, LFO желательно синхронизировать с темпом композиции, а раскладка семплов по velocity должна быть настроена под вашу клавиатуру. Плюс к этому в пэтче не должно быть заметных провалов уровня – это тоже все настраивается в редакторе.

Если у вас есть чем «порулить» звук (программируемые слайдеры или регуляторы на синтезаторе или MIDI клавиатуре), то заведите их на разные контроллеры, а контроллеры назначьте на разные параметры синтеза. Например, на частоту среза и резонанс фильтра, на задержку и уровень дилэя и т.д.

И еще один маленький профессиональный секрет. Каждая партия, записанная с помощью синтезатора или семплера должна хорошо звучать по отдельности. Но с помощью средств самого семплера очень часто этого добиться просто невозможно. Поэтому есть простой и изящный метод работы. Наиграли с клавиатуры, например, партию баса, записали ее на MIDI дорожку, отквантизировали – сразу перепишите партию на аудио дорожку и дальше «рулите» ее там (только переписывать надо, отключив все эффекты) – к вашим услугам огромное количество самых разных подключаемых модулей обработки звука. Все виртуальные семплеры, а также старый добрый SB Live позволяют переписывать MIDI партии в wav-формат без потери качества. Так пользуйтесь этой замечательной возможностью…

Теперь о барабанах. Очень часто «забитые» в компьютер партии ударных выглядят очень вяло, невыразительно, и не создают должной «накачки» (как в «фирменных» записях). Есть два очень простых способа борьбы с этой бедой. Первый способ – подкладывание готовых петель под вашу основную партию. Делается это с помощью программы Sonic Foundry ACID. Запишите короткую петлю с вашей партией ударных, выведите ее в wav-файл, и откройте в «эйсиде». Дальше запускайте воспроизведение в этой программе и подбирайте петли, которые хорошо микшируются с вашей исходной петлей. ACID хорош тем, что позволяет прослушивать библиотеки с темпом вашей исходной петли и на лету проверять разные варианты микширования. Ваша партия оживет прямо на глазах. Не нравится какое-то место в «подложенной» петле – прямо в «эйсиде» вы можете ее «порезать» и подогнать точно в вашу партию. Дальше вам остается лишь импортировать новую петлю в wav-файл и вставить ее в вашу композицию в основном приложении.

Второй способ – это «накачивание» барабанов с помощью компрессора. В wav-файлы надо отдельно выводить бас-барабан, малый барабан, томы, и т.д. Дальше вы навешиваете компрессоры на каждый инструмент ударной установки по отдельности и «жмете» их. Хороших результатов можно добиться и с помощью мастеринговых лимитеров типа Waves Ultramaximizer. А всю установку целиком очень хорошо «сцементировать» с помощью какого-нибудь многополосного компрессора. Кстати, не пугайтесь этих страшных плагинов (почему-то большинство пользователей шарахаются от них, как от огня). Они работают как мягкие эквалайзеры, которые одновременно делают звук плотнее, и подходить к ним надо так же, как к эквалайзерам…

Разумеется, два этих способа можно комбинировать друг с другом. Просто экспериментируйте больше и сравнивайте свои результаты с фирменными записями…

Обработка

Как в случае с семплерами и звуковыми библиотеками, при использовании любых программ и модулей обработки звука очень важно четко понимать, что в каждый конкретный момент происходит. То есть физику надо обязательно знать. Выбор пресета в плагине, это, конечно, хороший и быстрый путь работы, но без должного понимания сути происходящего такого навыбирать можно, что фонограмма будет совершенно неудобоваримой…

Главный принцип работы в «виртуальной студии» - как можно меньше эквализации. «Плагины» – это не дорогущие автономные приборы, и при глубоком вмешательстве звук они чаще всего портят. То есть старайтесь записывать дорожки так, чтобы их нужно было как можно меньше рулить эквалайзером. Особенно это касается голоса и инструментов переднего плана. Чуть подрезать низ, капельку поднять верх для лучшей читаемости в фонограмме – это еще нормально. Но когда начинается «рисование» хитрых кривых, вырезание отдельных частот и т.д. – качество звука падает скачкообразно. И если уж приходится прибегать к эквалайзерам, я лично настоятельно рекомендую пользоваться модулями Waves REQ из пакета Waves Native Gold Bundle – на мой вкус они меньше всех портят звук. А частотную характеристику вокальных треков можно основательно подкорректировать с помощью модуля Antares Microphone Modeler. При этом в звук не вносится сильных искажений – «моделлер» работает не так как эквалайзер, а совсем по другим принципам.

Если эквалайзерами лучше пользоваться минимально, то компрессоры надо использовать максимально, особенно, если вы работаете в современных стилях музыки. Обрабатывать компрессорами надо не только «живые» треки, но и синтезаторные, если вы хотите получить действительно хорошее и плотное звучание. Но здесь есть одна тонкость Вообще-то любой компрессор, как и эквалайзер, звук портит. Но если подходить к этой беде с другой стороны, и попытаться сей недостаток обратить в достоинство, то можно добиться многих хороших результатов. Я лично перепробовал огромное количество подключаемых модулей и подобрал себе те, которые «портят звук» так, как нужно мне. То есть исходный звук искажается, но оказывается, что в финальном миксе все звучит так, как надо. Настоятельно рекомендую присмотреться повнимательнее к компрессорам производства фирмы Waves: Rcomp для инструментов и Renaissance Vox для обработки голоса. Хотя, могут быть варианты – эти компрессоры лучше всего уживаются с моими микрофонами (AKG D3900 и Октава МК 319 А) и гитарами. А с другими микрофонами могут лучше работать компрессоры других фирм.

Теперь об общих принципах работы с компрессорами и эквалайзерами. Когда я свожу композицию, то у меня перед глазами обязательно находятся два плагина – анализатор звукового спектра и измеритель среднеквадратичного уровня (сейчас я пользуюсь модулями из пакета Waves Native Gold Bundle 3.5, а раньше приходилось прибегать к программе Spectralab). На анализаторе очень хорошо видны частотные полосы разных инструментов и частотная полоса голоса. «Фишка» здесь проста – надо сделать так, чтобы голос (или солирующий инструмент) явно выделялся в миксе, и его не перекрывали бы другие аккомпанирующие инструменты. Иногда даже приходится менять аранжировку – после того, как глянешь на картинку спектроанализатора становится понятно, что голос сюда «не полезет». Измеритель среднеквадратичного уровня нужен для того, чтобы «не пережать» инструменты компрессорами. Если вы собираетесь делать мастеринг своих вещей, то лучше сделать так, чтобы среднеквадратичный уровень микса не превышал значения минус 15-17 дБ. На мастеринге его подтянут до минус 10-12 дБ, но уже с помощью многополосных компрессоров и лимитеров. Но делать это лучше уже в контексте звучания всего альбома. А если вы никогда не имели дела с этими двумя измерительными «приборами», то лучше сначала внимательно посмотрите, как они работают на примере «фирменных» записей. Кстати, я частенько слушаю разную музыку со спектраанализатором перед глазами – приятное сочетается с полезным…

Поехали дальше. Эффект, который вызывает большинство сложностей – это реверберация. С одной стороны вроде бы все просто – выбрали пресет, например Hall, и все типа круто. Но вот здесь-то и коренится еще одно отличие профессиональных записей от любительских. Профессионалы используют реверберацию не только для придания «объема» звуку, но и для расстановки инструментов «по глубине». Плюс к этому есть еще несколько секретов…

Одним из самых главных параметров реверберации является предварительная задержка (predelay) – время, через которое к слушателю приходят первые отражения от стен помещения. Сами понимаете, что чем больше это время, тем больше расстояние до источника звука и тем больше помещение, в котором находится слушатель. А уровень первых отражений (early reflection level) много говорит о материале стен помещения. В спортивном зале с бетонными стенами он очень высок и ранние отражения прослушиваются как отчетливое эхо, а в зале с коврами на стенах ранних отражений почти не слышно. Так вот работа с этим параметром и отличает многие профессиональные записи от любительских.

Главное правило – предварительная задержка обязательно должна быть ритмизированной, иначе фонограмма начинает звучать кашеобразно. Время задержки, соответствующее четвертной ноте элементарно рассчитывается по формуле 60000/x, где x – это темп композиции. То есть, если у вас темп 100 bpm (четвертных долей в минуту), то задержка, соответствующая четвертной ноте будет равна 600 мс. Разумеется, для predelay это много. Но возьмите кратное значение – и все будет нормально. Например, 75 или 37,5 мс. А вот теперь можно расставлять инструменты в глубину. Например, дайте на ударные большее значение предварительной задержки (кратное четвертной задержке) – и они «уедут» на задний план. Во многих подключаемых модулях реверберации есть такой параметр как room size, который выражается в ничего ни говорящих числовых значениях. Он показывает плотность прихода ранних отражений (промежуток между ними). Чем меньше зал, тем плотнее приходят отражения. Так вот этим параметром тоже можно пользоваться, только подбирать его уже приходится на слух после того, как выставлена ритмизированная предварительная задержка.

Еще один важный момент – «руление» параметров самого реверберационного хвоста. Разумеется, время реверберации тоже желательно ритмизировать. Но это еще не все. Тембр «хвоста» и его характер (параметры diffusion, type, настройки фильтра и т.д.) должны «попадать» в инструмент или голос. Самый простой способ настроить все это дело – отобрать сигнал в посыл до фейдера, отрубить прямой сигнал и поэкспериментировать с разными параметрами. Причем стоит послушать «хвост» как отдельно, так и вместе с другими инструментами (прибрав их уровень). Характер «хвоста» очень зависит от контекста композиции, так что четкие рекомендации дать сложно – здесь стоит положиться на чувства и интуицию. Но общим моментом должно быть четкое ощущение комфортного для прослушивания конкретной музыки помещения. Железистые призвуки, «рассыпание» сигнала на составляющие, отсутствие фокусировки сигнала в пространстве – все это дело фонограмму убивает. Кстати, лично я единственным более-менее пригодным для нормальной работы подключаемым модулем считаю Waves Rverb. Увы, он «кушает» слишком много ресурсов, так что не всегда его можно использовать на не самых мощных компьютерах. Приходится выкручиваться и использовать другие модули, настраивая их так, чтобы сигналы с них хотя бы приблизительно соответствовали понятию «реверберация помещения». Только не думайте, что это беда исключительно компьютерных подключаемых модулей. То, что производят некоторые очень даже профессиональные процессоры эффектов сложно назвать реверберацией. С ними тоже приходится возиться очень основательно, чтобы получить нечто приемлемое…

Уровень реверберации для разных треков выставляется сообразно элементарному правилу – чем дальше источник сигнала от слушателя, тем больше уровень реверберации. Однако все зависит, разумеется, от вашего замысла. Можно вообще не использовать реверберацию (в танцевальной музыке, например, можно обойтись только ритмизированными задержками и хорусами), а можно сделать нечто состоящее лишь из одного большого концертного зала, в дальнем конце которого что-то шевелится... Отнеситесь к этому эффекту творчески…

К остальным эффектам, построенным на задержке или модуляции, также применяются все вышесказанные принципы – параметры, LFO, огибающих и задержки лучше ритмизировать, а характер эффекта подгонять под звучание самой композиции. Плюс к этому при создании аранжировки желательно оставлять «дырки» под эффект. Можно нарулить сколь угодно хорошее помещение, где звучит ваша музыка, но из-за чрезмерно плотной аранжировки его просто не будет слышно.

И самое последнее правило: не торопитесь. Сведение – процесс тонкий, и вероятность ошибок очень велика. Но вы ведь не в коммерческой студии, где оплата идет буквально за каждую минуту… Настроили эффекты – отложите работу на пару дней, позанимайтесь другими песнями. А потом все снова послушайте на свежую голову, и, желательно, сразу после прослушивания «фирменных» записей…

Заключение

Запись музыки – занятие сложное. Я думаю, что, прочитав эту статью, вы в этом убедились. Но, если вы в данный момент времени не обладаете необходимыми навыками, знаниями и тренированным слухом – не стоит расстраиваться. Во-первых, если есть желание, всему можно научиться. А во-вторых, даже любительская запись музыки – это потрясающе интересный процесс, который приносит кучу удовольствия. Так что творите, экспериментируйте, идите навстречу всему новому – и рано или поздно у вас все получится.

Информация получена с сайта переход